domingo, 28 de agosto de 2011

GROTESQUE (1988)

Escrito por ALFONSO & MIGUEL ROMERO


FICHA TÉCNICA
Título Original: Grotesque
Akas: Grotesk (Alemania)
Groteszk (Hungría)
Irviöt (Finlandia)
Año: 1988
País: USA
Director: Joe Tornatore
Reparto:
Linda Blair (Lisa)
Donna Wilkes (Kathy)
Tab Hunter (Rod)
Brad Wilson (Scratch)
Nels Van Patten (Gibbs)
Sharon Hughes (Donna)
Trailer: PINCHAR AQUI
Ediciones Españolas en Video: Record Vision
Ediciones Españolas en DVD: Crest
Punk-tuación: 5/10


SINOPSIS
Una joven y su amiga deciden pasar unas pequeñas vacaciones en casa de sus padres en la montaña. De camino a la casa, se cruzan con un grupo muy agresivo de punks que buscan el secreto escondido de una casa de la zona, que ellos creen que es algo de mucho valor. Este grupo las amenaza e insulta, pero ellas consiguen escapar y llegar hasta la casa. Durante la noche, toda la familia se ve atacada brutalmente por el grupo de punks que buscan el secreto escondido. Lo que ellos no se imaginan es lo terrible del secreto que allí se esconde.


DATOS Y CURIOSIDADES
Joe Tornatore ha hecho casi de todo en el cine: especialista, coordinador de éstos, montador, productor, guionista... aunque a lo que más se dedicó fue a actuar a lo largo de los 70 y 80. En esta segunda década casi todas sus apariciones delante de la pantalla fueron para televisión, por tanto, lo más destacable de su filmografía como intérprete fueron los 70, generalmente en películas distribuidas por la United Artists. Fue secundario en muchas blaxploitations, como "El predicador" (1973), "Cleopatra Jones" (1973), "Black Samson" (1973)... y en cintas tan conocidas como "El golpe" (1973), "McQ" (1974), "FIST. Símbolo de fuerza" (1978), o el remake de "Campeón" (1979).

Como director su carrera ha sido bastante corta y menos interesante. Apenas seis títulos desde 1976 con "Código ZEBRA" (que no se estrenaría hasta 1984) al 2009 con "Inmortally yours". De todas, la más conocida en nuestro país es "Grotesque" (1988), ya que se estrenó en salas comerciales y conoció distribución en VHS (Record Visión, 1990) y DVD (Crest, 2005).

Protagonizada por Linda Blair, convertida ya por entonces en la auténtica reina de la serie-B yanky de los 80, y Donna Wilkes, quien tomara el papel de la joven prostituta Angel en la tercera entrega de la saga. Contra todo pronóstico, ambas mueren bastante pronto y es el veterano Tab Hunter quien se hace con las riendas del film. Hunter, una estrella del cine y la música en los años 50, trabajó durante los 80 en algunas películas realmente psicotrónicas, ésta incluida.

Como en tantísimas películas de aquella década, los jóvenes malvados son un grupo de punks (1), entre ellos, el primero en caer, Robert Z'Dar, ese mismo año inmortalizado en el cine de terror como el vengativo y brutal Matt Cordell del "Maniac Cop" de William Lustig. Z'Dar debutó precisamente en el cine de la mano de Tornatore en la mencionada "Código ZEBRA".

"Grotesque", que empieza bastante bien, va perdiendo sentido y volviéndose más delirante conforme avanza el metraje. Llegando a un histriónico final propio de los comics de la EC o la Warren, como poco después haría la serie "Historias de la Cripta", basada de hecho en los más famosos tebeos de EC.

(1) Con un look mucho más exagerado que los que se veían por las calles, los punks de las películas americanas de los 80 aparecieron representados como jóvenes desocupados, drogadictos, violentos y muy peligrosos en títulos tan explotativos como reivindicables hoy: "Curso 1984" (1982) de Mark Lester, "El regreso de los muertos vivientes" (1985) de Dan O'Bannon, o "Night children" (1989) de Norbert Meisel, entre muchísimos otros.

jueves, 25 de agosto de 2011

EL TREN DE BERTHA (1972)

Escrito por ALFONSO & MIGUEL ROMERO


FICHA TÉCNICA
Título Original: Boxcar Bertha
Akas: America 1929: sterminateli senza pietà (Italia)
Bertha Boxcar (Francia)
Die Faust der Rebellen (Alemania)
Pasajeros Profesionales (Uruguay)
Año: 1972
País: USA
Director: Martin Scorsese
Reparto: Barbara Hershey (Bertha)
Davis Carradine (Bill Shelley)
Bernie Casey (Von Morton)
Barry Primus (Rake Brown)
John Carradine (H. Buckram Sartoris)
Trailer: PINCHAR AQUI
Ediciones Españolas en Video: MGM
Punk-tuación: 8/10


SINOPSIS
En la Arkansas de los años 30, en plena depresión, una chica huérfana, Bertha, conoce a un trabajador del ferrocarril. Junto a un amigo negro de éste y el antiguo novio de ella, los cuatro empiezan a robar en los trenes y son perseguidos por la ley.


DATOS Y CURIOSIDADES
Segundo largometraje, primero para su distribución comercial, de Martin Scorsese y, sin duda, uno de los peores considerados por la crítica por decantarse por un film de explotación para la AIP, ¿Scorsese y Corman?, pues sí. Basado en la autobiografía de Bertha Thompson “Sister of the road”, la idea de Roger Corman era hacer una secuela de su éxito “Mamá sangrienta” (1970), que no era sino un exploit del “Bonnie & Clyde” (1967) de Arthur Penn.

El presupuesto fue tan sólo de 600.000 $, y Corman le dio al director las instrucciones precisas que debía seguir: tenía que haber por fuerza una escena de persecución de coches, un desnudo cada 15 páginas del guión, que en el proceso de sonorización se preocupara sólo del primer y último rollo, ya que se haría en 3 días, etc...

El papel de Bertha recayó en una actriz tan talentosa como atractiva, Barbara Hershey. Su pareja en la ficción fue David Carradine (1), quien también lo era entonces en la vida real y ambos trabajaron juntos en muchas ocasiones. Con un cameo para John Carradine (2), padre de David, como el presidente del ferrocarril. Completan el reparto Barry Primus y el actor de color Bernie Casey, habitual por aquellos años de la blaxploitation, ese mismo año protagonizó “Hitman”, de George Armitage.

Se ha hablado que Scorsese puso en el personaje de Bertha mucho de la Dorothy de “El mago de Oz”. De lo que no cabe duda es que eran otros Bonnie & Clyde, pero mucho mejores personas, más a lo Robin Hood, concienciados de la mala situación del pueblo y rebelándose contra el poder opresor, aquí representado por el ferrocarril.

Donde es clara la mano de Scorsese y su profundo catolicismo (de entonces, cuando hacía buenas películas, pasarse al budismo no le ha venido bien) es en el final, cuando los sádicos detectives atrapan por fin a Bill Shelley y lo crucifican en un vagón, en una escena que el director repetirá toma a toma en “La última tentación de Cristo” (1988), también con la Hershey como María Magdalena.
Poco después, buscando Scorsese financiación para su famosa “Malas calles” (1973), habló nuevamente con Roger Corman, quien le dijo que se la produciría si todo el reparto era negro, por entonces la AIP producía muchas blaxploitations para aprovechar el éxito de “Las noches rojas de Harlem” (1971), de Gordon Parks. Por cierto, en “Malas calles” aparecía brevemente David Carradine.

(1) Fue “Bonnie & Clyde”, otra vez, de Arthur Penn, la película que inició en la segunda mitad de los 60, la idea de desarrollar la acción en la época de la depresión americana, en clara alegoría a los tiempos de crisis que vivían los Estados Unidos. El Nuevo Hollywood y las independientes usarían ese marco en no pocas ocasiones. Hal Ashby nos dejó una de las mejores muestras en “Esta tierra es mi tierra” (1976), también con Carradine en el papel protagonista como el cantante folk-protesta Woody Guthrie. Además de los distintos filmes de gangsters ambientados también en la depresión, “Una mamá sin freno” (1974) de Steve Carver, “Dillinger” (1973) de John Milius, “La banda de los Grissom” (1971) de Robert Aldrich... cabe destacar otro gran trabajo de Aldrich, el genial y muy físico “El emperador del norte”/”El emperador del polo norte” (1973), nunca la violencia fue tan real. Volviendo con David Carradine, no habría que olvidar “Americana”, que él mismo protagonizara y que dirigiera entre 1973 y 1983, fecha en que se estrena con un sonoro fracaso y que retomaba este espíritu tan American-roots pero situándolo tras la guerra del Vietnam.

(2) El veterano John Carradine ya había coincidido con su hijo David Carradine en dos western, “Un hombre impone la ley” (1969), de Burt Kennedy, y “Los McMasters” (1970), de Alf Kjellin. Después trabajarían juntos en tres episodios de la serie “Kung-fu”.


lunes, 22 de agosto de 2011

THE EVIL OF FRANKENSTEIN (1964)

Escrito por ROBERT GARCIA


FICHA TÉCNICA
Título Original: The evil of Frankenstein
Akas: La maldad de Frankenstein
El castigo de Frankenstein
Frankensteinin rikos (Finlandia)
Frankensteins Ungeheuer (Alemania)
L'empreinte de Frankenstein (Francia)
La rivolta di Frankenstein (Italia)
Año: 1964
País: Reino Unido
Director: Freddie Francis
Reparto: Peter Cushing (Baron Frankenstein)
Peter Woodthorpe (Profesor Zoltán)
Duncan Lamont (Karlstaad, jefe de policia)
Sandor Elès (Hans)
Katy Wild (Chica sordomuda)
David Hutcheson (Burgomaestre)
James Maxwell (Sacerdote)
Trailer: PINCHAR AQUÍ
Ediciones Españolas en Vídeo: Ninguna edición en vídeo conocida en España, disponible en dvd de importación con audio latino.
Punk-tuación: 7/10


SINOPSIS
Después de ser descubierto realizando nuevos experimentos como la reanimación de un corazón muerto, el Dr. Frankenstein y su ayudante Hans huyen del pueblo donde viven y vuelven al castillo del primero, no serán bien recibidos pero el Doctor mantiene sus ideas de crear un ser con vida propia, pronto descubrirán que el monstruo original creado por Frankenstein continua vivo y ha permanecido congelado todos estos años...


DATOS Y CURIOSIDADES
En el "Quatermass nº6 (Antología del cine fantástico Británico)" se recogían unas palabras de Freddie Francis sobre el proyecto de "The evil of Frankenstein", el director comentaba que cuando fue a dirigir esta película estaba muy preocupado porque pensaba que el film original de James Whale protagonizado por Boris Karloff era fantástico (estamos de acuerdo Maestro), la Hammer se había gastado bastante dinero en este film, mas dinero que en otras producciones y Francis temió el fracaso.

Habría que decirle al señor Francis que de fracaso nada, no es que la película este a la altura de las dos primeras entregas sobre el Dr. Frankenstein producidas en la Hammer y dirigidas por Terence Fisher (os podéis levantar de vuestros asientos al oír este nombre) pero no cabe duda de que estamos ante una buena película aunque tenga algunos "defectos" hechos a propósito, lo primero es que la trama no sigue donde paro la segunda, y en esta vemos un flashback sobre la primera creación del monstruo en donde podrían haber usado imagenes de la primera de Fisher, aparte quizás sea la película mas cercana de la saga Hammer a las clásicas de la Universal, así vemos como la criatura creada por el Doctor ha permanecido congelado en un glaciar dentro de una montaña, un guiño mas que evidente a "Frankenstein y el hombre lobo" (1943).

La figura del Doctor, encarnada por un genial Peter Cushing, se nos muestra como mas amigable y no tan "malo" como en otras partes de la saga, cayendo este personaje en la figura del hipnotizador Zoltán que usa a la criatura para conseguir sus objetivos que no son otros que el oro de los lugareños y la venganza sobre alguno de ellos, la lucha final entre el Doctor y la criatura es genial, así como los decorados especialmente ese laboratorio donde al parecer se gastaron una pasta en recrearlo. En definitiva, una película digna de ver y con bastantes elementos notables para los fans de la Hammer, película que por cierto no me consta que este editada en vídeo en España, sin embargo si esta doblada en algunos países de Sudamerica.



viernes, 19 de agosto de 2011

LOS HOMBRES DUROS NO BAILAN (1987)

Escrito por ALFONSO & MIGUEL ROMERO


FICHA TÉCNICA
Título Original: Though men don't dance
Akas: A Marca do Passado (Brasil)
Hårda killar dansar inte (Suecia)
Harte Männer tanzen nicht (Alemania)
I duri non ballano (Italia)
Los guapos no bailan (Perú)
Año: 1987
País: USA
Director: Norman Mailer
Reparto: Ryan O'Neal (Tim Madden)
Isabella Rossellini (Madeleine Regency)
Debra Sandlund (Patty Lareine)
Wings Hauser (Capt. Alvin Luther Regency)
John Bedford Lloyd (Wardley Meeks III)
Lawrence Tierney (Doug Madden)
Trailer: PINCHAR AQUÍ
Ediciones Españolas en VHS: Ízaro-Cannon
Ediciones Españolas en DVD: Miramar
Punk-tuación: 6/10


SINOPSIS
Después de que su mujer le haya abandonado, Madden se emborracha durante todo el día y, por la noche hace cosas que no recuerda al despertar. Una mañana se despierta con la idea de que su esposa ha muerto decapitada. En su coche encuentra un charco de sangre y con una cabeza cercenada en su escondite para la marihuana. Todas las pruebas apuntan hacia la culpabilidad de Madden.


DATOS Y CURIOSIDADES
Norman Mailer, considerado junto a Truman Capote uno de los renovadores del periodismo literario, ya había conocido adaptaciones al cine de algunos de sus más famosos libros -“Los desnudos y los muertos” (Raoul Walsh, 1958) o “La canción del verdugo” (Lawrence Schiller 1982)-, cuando en 1987 decidió ponerse tras las cámaras para rodar él mismo un film sobre su novela "Los hombres duros no bailan".

Protagonizada por Ryan O'Neal, famoso en la década anterior gracias a éxitos como el "Love story" (1970) de Arthur Hiller, o sus colaboraciones con Peter Bogdanovich en "¿Qué me pasa, doctor" (1972) o "Luna de papel" (1973); que veía como su estrella se apagaba en los 80. Junto a él, Isabella Rossellini, que ya había trabajado en "Noches de sol" (1985), y el "Terciopelo azul" (1986) de David Lynch; y en el papel del marido de ésta, Wings Hauser, que por entonces su nombre se relacionaba con roles de tipos duros y despreciables gracias a títulos como "La jauría del vicio" (1982), Stoney el frío" (1983), o "Historia de un soldado" (1984).

Los diálogos más famosos del film, y del libro, son aquellos entre el protagonista y su padre (no tienen desperdicio), interpretado por el veterano Lawrence Tierney en su papel más importante en muchísimo tiempo (1). El resultado, un tanto extraño, cosechó críticas positivas y destructivas, especialmente la secuencia de O'Neal en la playa cuando lee una carta de Madeleine, tachada por algunos por la pésima actuación de éste, aunque esto queda bastante corregido al verla doblada al castellano. En el DVD editado en USA, Mailer comentaba al respeto que sí, que era mala, pero le daba algo a la escena y por eso la incluyó. Dicho comentario poco agradó al actor, que perdió la vieja amistad que le unía con el escritor.

Producida por la Cannon (2) junto a la Zoetrope de Francis Ford Coppola, se la ha comparado a veces con la mencionada "Terciopelo azul", son claros los paralelismos, la presencia de Isabella Rossellini, la música de Angelo Badalamenti, la trama ocurre en un pueblo lleno de tipos extravagantes, el protagonista encuentra las cabezas como en la de Lynch encontraba una oreja... pero al film de Mailer le falta el toque onírico que la hubiera ayudado mucho.

(1) Lawrence Tierney saltó a la fama en los años 40 por su papel protagonista en "Dillinger" (1945), del polaco Max Nosseck para la Monogram. Seguirían otras estupendas producciones dentro del noir con Tierney encarnando a tipos duros y, generalmente, poco recomendables en distintas productoras, Monogram, RKO... Pero en la vida real no se quedaba muy atrás. Problemático en los rodajes, unido a su afición al alcohol, las peleas, etc, le llevaron a ser conocido como "el tipo más peligroso de Hollywood" y su carrera cayó en picado. Quentin Tarantino le recuperaría en la ya mítica "Reservoir Dogs" (1992).

(2) Una de las productoras norteamericanas más ocupadas durante los años 80. Creada por dos primos de Israel, Menahem Golan y Yoram Globus, que previamente contaran con otras productoras en su país natal. La Cannon ha sido siempre recordada por sus cintas de acción tildadas de reaccionarias y que protagonizaran Chuck Norris, Charles Bronson o Michael Dudikoff. Pero lo cierto es que trabajaron otros tipos de cine, así hicieron comedias adolescentes al estilo de las que producían anteriormente en Israel (caso de "El último americano virgen" o "Hot Chili"), películas fantásticas y de terror dirigidas por Tobe Hooper ("Masacre en Texas 2", "Life force. Fuerza vital", "Invasores de Marte"), y hasta películas bien consideradas por la crítica como "El violinista en el tejado" o dos de Andrei Konchalovski, "Los amantes de María" y "El tren del infierno". La empresa se disolvería por desacuerdos entre los dos primos, actualmente los derechos de explotación de todo su material lo tiene la Metro Goldwyn Mayer.
Menahem Golan siguió produciendo películas por distintos países. Desde hace unos años lo hace en los países del este de Europa, donde, con diferencia, es más barato rodar.



lunes, 15 de agosto de 2011

LAS CHICAS DE CENTERFOLD (1974)

Escrito por ALFONSO & MIGUEL ROMERO


FICHA TÉCNICA
Título Original: The centerfold girls
Akas: Girl hunter (Vídeo en Europa)
El verdugo de las chicas del calendario (México)
Año: 1974
País: USA
Director: John Peyser
Reparto: Andrew Priner (Clements)
Janet Wood (Linda)
Aldo Ray (Ed Walker)
Ray Danton (Perry)
Jaime Lin Bauer (Jackie)
Mike Mazurki (Encargado)
Trailer: PINCHAR AQUÍ
Ediciones Españolas en Vídeo: Media
Punk-tuación: 7/10


SINOPSIS
Clements está decidido a asesinar a las voluptuosas jóvenes que han posado desnudas para el calendario de la revista Bachelor. Armado con la afiladísima hoja de una navaja y poseído por una mente clínicamente enferma, comienza a hacer llamadas anónimas a las por otros deseadas y por él odiadas víctimas en un concurso de belleza en el que el primer premio es la muerte.


DATOS Y CURIOSIDADES
Fueron los convulsos 70 en los USA un marco propicio para la actuación del psychokiller (1). El cine había dado en la década anterior excelentes muestras del tema en cintas seminales como “Psicosis” de Alfred Hitchcock o “El estrangulador de Boston” de Richard Fleischer, y en los 70 triunfaban en la pantalla films capitales de la década como “Taxi driver” de Martin Scorsese o “Malas tierras” (2) de Terence Malick.

Dentro de los márgenes de la serie B, el psychokiller tomó por asalto las pantallas. Los exploiters encontraron en él tema al que sacar tajada y estrenar en sesión doble (o triple) para abastecer la demanda de autocines y grindhouses. El asesino desequilibrado mentalmente fue la excusa perfecta en un buen lote de baratos productos para mostrar asesinatos más o menos gráficos junto a los desnudos de las preferiblemente féminas víctimas. “Las chicas de centerfold” (inapropiada traducción del original) fue una de estas producciones. Por estas latitudes nos llegaría vía VHS en 1987 a cargo de Media, con la explotativa sinopsis reproducida unas líneas más arriba.

Estructurada en tres segmentos, el primero arranca con Clements (el psycho interpretado por el televisivo Andrew Prine) matando a Miss Enero de la revista Bachelor. Como trofeo guarda las zapatillas de la chica y recorta la cabeza de su foto en señal de triunfo, de meta conseguida. Sus siguientes objetivos serán Miss Marzo, una enfermera, Miss Mayo, una estudiante y modelo (que conforma el segundo capítulo) y Miss Julio, una azafata de vuelo (en la tercera historia), y no continúa porque esta última le para los pies.

Las chicas del calendario, elegidas como víctimas, son casi los únicos personajes de la película presentados de forma positiva. El resto, sobre todo los hombres, además del psicópata, sólo pretenden aprovecharse de las mujeres, principalmente de manera sexual. Pero no nos olvidemos, estamos ante una sexploitation con un montón de desnudos, a cual más gratuito, de las estupendas jovencitas que pueblan la cinta. Algunas de ellas procedentes precisamente de las páginas de publicaciones para caballeros como Playboy y Penthouse.

Claro reflejo de su época, el personaje del gurú hippie del primer episodio, al que acompañan tres chicas que le obedecen, entronca claramente con la mirada pesimista hacia Charles Manson y su Familia que recogieron otras cintas de la década como “Perros rabiosos” o “Children of the Devil”. Amén de toparnos con los escenarios comunes en mil y una serie-B de aquellos años, entiéndase: carreteras polvorientas, desiertos, bosques y pequeños pueblos del sudeste de los USA con habitantes no muy cordiales. Sin olvidarnos de la presencia de Aldo Ray, vieja estrella de Hollywood que durante los 70 y 80, prácticamente no saldría de la serie B en títulos de lo más psicotrónico. Como tantas otras viejas glorias caídas en desgracia (Russ Tamblyn, Troy Donahue, Tab Hunter...), a pesar que su nombre era el principal reclamo de las carátulas, sus intervenciones solían ser más bien cortitas.

(1)Hicieron de las suyas Ed Kemper, John Wayne Gacy, Ted Bundy, David Berkowitz (alias el Hijo de Sam) o Angelo Buono y Keith Bianchi (más conocidos como los estranguladores de Hillside) por nombrar algunos de los más célebres...

(2)Basado en el caso real de Charles Starkweather, alias “Little Red”, como le apodaban, quien asesinó el 21 de febrero de 1958 a la familia de su novia, Caril Ann Fugate. En su fuga, que duró sobre una semana, mataría a otras 7 personas antes de ser atrapado por las fuerzas del orden.


jueves, 11 de agosto de 2011

ENSALADA BAUDELAIRE (1978)

Escrito por ROBERT GARCIA


FICHA TÉCNICA
Título Original: Ensalada Baudelaire
Akas: Sex and Violence (Reino Unido)
Año: 1978
País: España
Director: Leopoldo Pomés
Reparto: Xabier Elorriaga
Marina Langner
Christa Leem
Ricardo Masip
Lorenzo Santamaría
Trailer: No encontrado
Ediciones Españolas en Vídeo: -----
Punk-tuación: 9/10


SINOPSIS
Las relaciones de un matrimonio formado por Carlos, un hombre de negocios importante, triunfador, pero también voyeur y masoquista, y Andrea, hija de aristócratas en decadencia que trata a su marido con el distanciamiento de clase superior, como miran los nuevos ricos. Los dos deciden salir con el yate. La llegada de dos desconocidos, invitados por Andrea, muy pronto se convertirá en algo explosivo.


DATOS Y CURIOSIDADES
Leopoldo Pomés, nacido en Barcelona en 1931, es (digo es porque desconozco si a estas alturas esta retirado o no, ya que hay apariciones suyas en televisión en 2009) un publicista y uno de los fotógrafos de mayor prestigio. En 1978 afronta su única incursión cinematográfica como director con esta grandiosa ensalada, imagino que quizás también se ocuparía de la fotografía de la película porque esta muy bien hecha y es preciosa en todo momento.

El film es genial de principio a fin, los actores hacen tan bien sus papeles que hacen que te metas de lleno en cada una de las personalidades y te lleguen incluso a dar asco sus actos, desde el principio asistimos a la vida de dos ricachones sin nada mejor que hacer que desayunar en el jardín de su gran mansión y salir a dar una vuelta en su lujoso yate, acompañados de su fiel perro al que ella trata con mucho mas cariño que a su marido, no hay que ver mas que esa secuencia donde ella riñe al marido por dejar la cucharilla dentro de la taza y seguidamente dar un trozo de tostada al perro bien envadurnado de mantequilla. Una relación la del matrimonio bastante tirante, con continuos y pequeños desaires de ella hacia el.

Cuando están en el barco y después de haber disfrutado de la visita inesperada de unos amigos la pareja invita a una pareja que hay por las cercanías, disfrutando en una de esas barcas de pedales, a subir al yate con el afán de pasar un buen rato y reírse de ellos, pero la cosa se complicara bastante y sera la pareja quien acabara disfrutando de la situación. Rabia, dolor, sufrimiento y un sinfín de situaciones grotescas es lo que veremos en el film y cuando parece que la cosa va a acabar de una forma mas o menos coherente, y descubrimos cual giallo se tratara de el porque de la actuación de esta pareja, el director le vuelve a dar una vuelta de tuerca al guión y nos enseña otros dos finales con los que podría haber acabado la película, sencillamente magistral!!



miércoles, 10 de agosto de 2011

UN NEGOCIO PELIGROSO (2000)

Escrito por ALFONSO & MIGUEL ROMERO


FICHA TÉCNICA
Título Original: Rated X
Akas: Csak 18 éven felülieknek (Hungría)
Rated X - seksillä tähtiin (Finlandia, video)
RatedX - La vera storia dei re del porno americano (Italia, vídeo)
The Mitchell Brothers (USA, título provisional)
The Mitchell Brothers Project (USA, título provisional)
Año: 2000
País: USA
Director: Emilio Estevez
Reparto: Charlie Sheen (Artie Mitchell)
Emilio Estevez (Jim Mitchell)
Rafer Weigel (Lionel)
Tracy Hutson (Marilyn Chambers)
Megan Ward (Meredith)
Terry O'Quinn (J.R. Mitchell)
Trailer: PINCHAR AQUÍ
Ediciones Españolas en Vídeo: Big Time Pictures y DeA Planeta
Punk-tuación: 7/10


SINOPSIS
En 1973 los hermanos Jim y Artie Mitchell se hicieron famosos en el floreciente cine para adultos con el film "Tras la puerta verde". Su ascensión desembocará en una dolorosa caída, debido a la cocaína, el alcohol, sus egos, los cambios en el mundo del X y un final muy trágico.


DATOS Y CURIOSIDADES
Los hermanos Mitchell ya habían hecho sus pinitos en el porno dirigiendo algunos loops. Pero fue el éxito de "Garganta profunda" (1972), de Gerard Damiano, lo que les animó un largometraje dentro del entonces boom del cine X. Con 45000 dólares de presupuesto y a lo largo de 7 meses, incluyendo un laborioso montaje, los Mitchell dieron en le clavo con un film lisérgico de iniciación sexual que fue un brutal éxito de taquilla.

Siguieron en el negocio dirigiendo o produciendo películas, a la vez que llevaban la sala O'Farrell. Ya en los 80, las adicciones de Artie se hacen cada vez más peligrosas. Los fracasos personales y profesionales contribuyen a que pierdan aún más la cabeza, llegando a amenazar de muerte a Jim. Tragicamente sería este último quien acabara con la vida de Artie disparándole con su rifle del 32 el 27 de febrero de 1991.

Tras el buen funcionamiento en taquilla de "Boogie nights" (1997), de Paul Thomas Anderson, la industria holliwoodiense quiso explotar el filón del porno 70's. Y una historia como la de los Mitchell resultaba de lo más jugosa, ya que incluso tenía moralina final. Como en el film de Anderson, se consultó a profesionales del triple X, como Ron Jeremy o la mismísima Marilyn Chambers, la protagonista de "Tras la puerta verde" y otras producciones de los Mitchell. En un principio fue Robert Redford el elegido para dirigirla, y nada menos que Robert De Niro en uno de los principales papeles. Pero el proyecto quedó aparcado, y tras un tiempo, sería el canal Showtime quien lo llevara a puerto en un telefilme, sobre el libro "Rated X" escrito por David McCumber, dirigido por Emilio Estevez y protagonizado por éste junto a su hermano en la vida real Charlie Sheen, alguien que puede hablar muy bien del mundo de las drogas, como todos sabemos y de la industria del porno (1).

Con Tracy Hutson muy bien caracterizada como Marilyn Chambers, incluyendo su conocido spot para Ivory Snow. También en el reparto el veterano Terry O'Quinn, de longeva carrera con títulos como "El padrastro" (1986) de Joseph Ruben, o las series "Expediente X", "Millenium" (ambas creadas por Chris Carter), y que consiguiera el papel de su vida como el John Locke de "Perdidos". Cameo de Peter Vogdanovich como profesor de la facultad donde estudian los Mitchell y contrario a sus ideas.

A pesar de ser un producto destinado para televisión, el film está muy bien conseguido, con buena recreación de la época, la cartelería, los afiches... así como el tema de su lucha contra la mafia, quienes controlaban el negocio del porno antes de su legalización y quienes fueron muy reticentes a soltarlo (2).

(1) Famosa fue su escandalosa relación con la porno-star Ginger Lynn, quien recordaba al respecto que no hacían más que beber, meterse coca y follar en cualquier sitio y a cualquier hora. Sheen, entonces en la cúspide de su carrera, fue aconsejado por algunos poderosos de Hollywood a que terminara de inmediato con esa relación.

(2) La relación de la mafia con el primer porno legalizado toca al exitazo "Garganta profunda". Los productores de la cinta, Lou Perry, Phil Parisi y Terry Levene, ganaron un buen montón de millones, pero Gerard Damiano estaba excluido del contrato que le ligaba a sus productores. En una entrevista de aquellos años en la que se le instaba al director a que presentase una demanda contra aquellos, Damiano contestó "¿Qué quieres? ¿Que me rompan las dos piernas?".


lunes, 8 de agosto de 2011

EL CRIMEN TAMBIÉN JUEGA (1969)

Escrito por ROBERT GARCIA


FICHA TÉCNICA
Título Original: Rebus
Akas: Appointment in Beirut (Reino Unido)
Heißes Spiel für harte Männer (Alemania)
Laberinto (Argentina)
Año: 1969
País: Italia - España - Alemania
Director: Nino Zanchin
Reparto: Laurence Harvey (Jeff Miller)
Ann-Margret (Laure Singer)
Andrea Bosic
José Calvo (Benson)
Alberto de Mendoza
Ivan Desny (Guinness)
Luis Dávila (El Baron)
Trailer: No encontrado
Ediciones Españolas en Vídeo: Vídeo España S.A.
Punk-tuación: 7/10


SINOPSIS
Después de haber trabajado en Londres, un famoso crupier es contratado en el casino de Beirut. Pronto se da cuenta de que ha sido llevado allí para otros fines. Una red internacional organizada se dedica a desvalijar lujosos casinos. Y él ha sido elegido como cebo para encontrar a los culpables.


DATOS Y CURIOSIDADES
Nino Zanchin (Robert Andrews en algunos créditos) es otro de esos directores de los que uno desea ver más títulos después de haber visionado el film que aquí os traigo, sin embargo nos vamos al IMDB y vemos que en español solo consta este titulo, aparte otros dos títulos en italiano y eso si, como ayudante de dirección tiene un buen numero de películas conocidas, especial mención merecen "Un maldito embrollo" (Pietro Germi, 1959) y "El halcón y la presa" (Sergio Sollima, 1966).

Y uno desea ver mas títulos del director porque la verdad es que "El crimen también juega" es una película que se podría calificar como deliciosa, por un lado mezcla diferentes géneros, euro-spy, cine de robos y hasta un pequeño toque de comedia (solo un toquecito) que le viene muy bien a la historia, unos personajes que parecen sacados de una película de James Bond encabezados por un genial Laurence Harvey que siempre impecablemente vestido hace de crupier con una peligrosa afición al whisky y una preciosa Ann-Margret que enamora a nuestro protagonista pero que en todo momento parece que oculta algo, realmente preciosa y con un papel encantador, y luego un buen numero de personajes alrededor de estos dos como el jefe de policía o el tipo del bombín que no desentonan en absoluto.

La historia esta muy bien y al final el cabecilla de la red de ladrones internacional es el mas inesperado, música brillante a cargo de Luis Bacalov para una muy buena muestra de euro-cine, de ese cine que ya desgraciadamente poquito se hace y que tantas joyas nos dejo en los 60 y 70.


sábado, 6 de agosto de 2011

PUNTO LIMITE: CERO (1971) / LA INDECENTE MARY Y LARRY EL LOCO (1974)

Escrito por Alfonso & Miguel Romero


FICHA TÉCNICA
Título Original: Vanishing point
Año: 1971
País: USA
Director: Richard C. Sarafian
Reparto: Newman, Cleavon Little, Dean Jagger, Paul Koslo
Ediciones Españolas en Vídeo: 20th Century Fox Home
Punk-tuación: 9/10

SINOPSIS
Expulsado de la policía y tras fracasar como piloto de carreras, Kowalski encuentra la felicidad con una chica surfista. Tras la muerte de ésta, ahogada en el mar, deja su actual trabajo y se embarca en una carrera hacia su fin.


FICHA TÉCNICA
Título Original: Dirty Mary, Crazy Larry
Año: 1974
País: USA
Director: John Hough
Reparto: Fonda, Susan George, Adam Roarke, Vic Morrow
Ediciones Españolas en Vídeo: Minatoku S.L.
Punk-tuación: 8/10

SINOPSIS
Larry, un conductor de carreras, roba en una tienda las piezas para construir el coche de sus sueños con el que ganar en el circuito. Junto a su chica, Mary, y su mecánico, emprenden una larga escapada, con la policía pisándoles los talones.

LA EXPERIENCIA
Es de tradición en el cine norteamericano las películas de carretera, pero el género de las road-movies pertenece, por derecho propio, a la segunda mitad de los 60 y a los 70. Personajes (generalmente perdedores y desheredados) a lo largo de gigantescas carreteras y autopistas, atravesando el desierto, el corazón mismo de los USA, en una nueva revisión de los viejos pioneros.
Fue el llamado Nuevo Hollywood con sus títulos fundacionales el que dio forma y espíritu a la road-movie, con las imprescindibles “Bonnie & Clyde” (1967) de Arthur Penn, y “Easy Rider. Buscando mi destino” (1969)de Dennis Hopper.
Tanto películas de autor, como títulos de los más comerciales, e incluso de pura exploitation (éstos, posiblemente, más que ninguno)llenaron las pantallas de tipos atravesando el país en busca del perdido sueño americano, en expresión clara de la angustia existencial del periodo de crisis que el país estaba viviendo. Perdedores motorizados, en coches o con gigantescos camiones, con la ley, por norma común, como el principal villano, con las drogas como compañeras, y con geniales bandas sonoras de country, folk y rock.
Cuando Robert Rodriguez y Quentin Tarantino acordaron rendir tributo a las sesiones dobles de los grindhouses de los 70 y al cine exploitation de la época, el primero decidió hacer “una de zombies”, mientras que Tarantino se decantaba por “una de coches”. Y es que las cintas “de coches” supusieron una parte importantísima de aquellas roadmovies, en títulos como “Faster, pussycat! Kill! Kill!” (1968), “Carretera asfaltada en dos direcciones” (1971), “Gone in 60 seconds” (1974)... y tantos otros. Nos decantamos hoy por una sesión doble con dos de estas maravillosas películas “de coches” de los años 70, ambas distribuidas por la 20th Century Fox.

Punto límite cero es uno de los ejemplos mejor considerados por crítica y público, y no es para menos, siendo sin duda uno de los más conseguidos. Rodada con buen pulso por Richard C. Sarafian, director habitual del medio televisivo, al que debemos otras cintas de interés como “El hombre de una tierra salvaje” (1971), o el vehículo para lucimiento de Burt Reynolds “El hombre que amó a Cat Dancing” (1973).
Protagonizada por Barry Newman, de cuyo personaje poco a poco nos van dando información de su pasado para saber qué le ha llevado a esa carrera hacia ninguna parte escapando de la policía, de la sociedad, e incluso de sí mismo. En busca de su libertad, es considerado “el último héroe americano”, “el último hombre libre”, y es apoyado y vitoreado por el pueblo, aunque se dirige a un final imposible.
Nuevamente las drogas y los camellos como personajes positivos, los agentes de la ley como fascistas que abusan de su autoridad, caso del antiguo compañero de patrulla de Kowalski, o ese joven sheriff interpretado por Paul Koslo (1).
La persecución viene a ser radiada por un DJ. Negro, apodado “Super Soul”, e interpretado por Cleavon Little (2), quien escucha ilegalmente la emisora de la policía y aconseja al conductor por dónde debe ir, además de estar pinchando constantemente canciones que forman parte esencial del film (3).
El inicio de la cinta enlaza con el final, y prácticamente toda la película es un flashback con otros flashbacks a su vez.

La indecente Mary y Larry el loco. El director John Hough, bien conocido por el aficionado al terror por títulos míticos como “Drácula y las mellizas” (1971) para la Hammer, la celebrada “La leyenda de la mansión del infierno” (1973), y ya en los 80 las nada desdeñables “Incubus” (1982) o “Escondete y tiembla” (1988), aparte de sus éxitos para la Disney y la comedia adolescente ochentera, nos brindó otro de los más destacables exponentes de la carexploitation.
En “Jackie Brown” (1996), el personaje de Bridget Fonda ve en la tele esta película, que protagoniza su padre en la vida real, Peter Fonda. Tarantino volvía a hacer un referente directo al film cuando es nombrada, al igual que “Punto límite: cero”, en “Deathproof” (2006).
Peter Fonda fue un icono en la serie B de los 60 y 70, y del principio del Nuevo Hollywood. Baste tan sólo recordarle en “Los Ángeles del Infierno” (1966), “El viaje” (1967) o “Easy Rider. Buscando mi destino” (1969). Su propia forma de ser, rebelde y anárquico, acabaría con su carrera, aunque en los últimos años ha sido recuperado por viejos fans que lo reclaman para sus películas.
Le acompaña en su odisea por las carreteras americanas, en el papel de Dirty Mary, la británica Susan George, recordada por sus incendiarios papeles en “Perros de paja” (1971) o “Mandingo” (1974).
Tras ellos, Vic Morrow, el veterano actor que de joven empezara en títulos como “Semilla de maldad” (1955) o “La pequeña tierra de Dios” (1958), que cuando veía por fin su carrera recuperada a principios de los 80, murió en un terrible accidente (4) durante el rodaje de “En los límites de la realidad” (1983), en el capítulo de John Landis.
Con papel secundario para el eterno Roddy McDowall.
El film iba a ser producido por James (padre de Jack) Nicholson, quien había abandonado la AIP, pero no pudo ser debido a su óbito.
Ambas películas terminan de forma similar. Un final triste, abrupto, desesperanzado y desesperanzador, y totalmente anárquico. Que demuestra que Ridley Scott no inventó nada nuevo en el celebrado final de “Thelma y Louise” (1991).

(1) Actor de ascendencia rusa habitual del cine norteamericano de los años 70, normalmente en papeles de villano. En su filmografía destacan títulos como “El último hombre... vivo” (1971), “América violenta” (1973), “Mr. Majestik” (1974), “El rifle y la Biblia” (1975) o “Las puertas del cielo” (1980).

(2) Actor negro recordado por sus papeles en la comedia de Mel Brooks “Sillas de montar calientes” (1974), y la blaxploitation “Un loco al volante” (1977), de Michael Schultz, acompañando a Richard Pryor, Pam Grier y Beau Bridges.

(3) Propio de su momento, otros filmes usaron esta fórmula del DJ en, por ejemplo, “Car Wash. Un mundo aparte” (1976) de Michael Schultz. Quentin Tarantino daría importancia a una emisora y a un DJ (no por casualidad de super música de los 70) en su ópera prima “Reservoir Dogs” (1992).

(4) Durante la filmación, Morrow perdió literalmente la cabeza, cortada por la hélice de un helicóptero. Padre de la también actriz Jennifer Jason Leigh, con la que no se hablaba.